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ounomachi_owari

Y mientras la mayoría de gente se entretiene en Barcelona comprando las últimas ofertas, esquivando a los abrazadores compulsivos y sacando fotos de incógnito a Takeshi Obata, Ounomachi cumple nada menos que su cuarto año en la Red. Hoy, sin embargo, no puedo celebrarlo como en ocasiones anteriores, pues además de estar en el caso de los arriba mentados, he decidido que es hora de ponerle punto final a las andanzas de esta web. A lo largo de estos cuatro años me he esforzado por escribir información interesante y poco tratada en general, recogiendo cerca de 600 entradas distintas que van desde pequeñas reseñas y artículos hasta toda clase de biografías, leyendas y cortos animados. En concreto, estoy muy contento con la cantidad de biografías que he ido escribiendo: un centenar de textos repasando la carrera de personalidades diversas de la industria y de las que, en su mayoría, no había mucha información disponible.

Sin embargo, el ritmo de publicación ha ido cayendo en picado durante el último año y pico, pasando de una entrada diaria a una semanal, para luego ser mensual y ya poco faltaba para llegar a trimestral. Me sabe mal dejar de lado un proyecto en el que he invertido tanto tiempo y esfuerzo, pero creo que es hora de rendirse ante lo evidente y asumir que no puedo mantener el blog como hacía antaño. Así pues, me despido de todos con una pequeña selección de los que creo que son los diez mejores artículos que hemos tenido aquí y que todavía pueden resultar de interés a algún despistado que no los haya visto:

  1. 25 años de la serie Zelda, 25 cosas que no sabes de ella
  2. Crónica de una catástrofe
  3. GameCenter CX
  4. Ghibli vs. Disney: crónica de un divorcio
  5. La compañía Takarazuka
  6. Los finales de Doraemon
  7. Los orígenes de la animación japonesa
  8. Nippon Animation y su relación con España
  9. Rampo Edogawa
  10. Sistema estelar de Osamu Tezuka

Por supuesto, los artículos seguirán a disposición de todos para que los consultéis cuando queráis, y mi intención es seguir comentando la actualidad en la cuenta de Twitter y seguir subiendo imágenes curiosas en la cuenta de Tumblr. No quisiera terminar sin dar las gracias a todos los que han colaborado alguna vez en este blog y muy especialmente a mis amigos del también extinto El pozo de Sadako, así como a todos los que alguna vez habéis visitado y comentado las entradas que he ido escribiendo. A todos vosotros: gracias y hasta la vista.

Takeshi Koike

Takeshi Koike nació en 1968 en Kaminoyama, en la prefectura de Yamagata. Su interés por la animación surgió después de ver en el cine la película resumen de Galaxy Express 999, y puede que por eso su mayor influencia como animador sea Yoshinori Kanada, otro gran nombre en la industria. Al terminar el instituto fue directo a Tokio para buscar trabajo y consiguió una entrevista en el estudio Madhouse, donde pudo empezar como intercalador en películas como Chironup no Kitsune (1987) o Wicked City (1987). Curiosamente, su entrevistador terminaría jugando un papel muy importante en su formación como profesional: Yoshiaki Kawajiri le acogió como pupilo y le enseñó cómo funcionaba el oficio, convirtiéndose poco a poco en una figura esencial en el desarrollo de su carrera.

Así pues, Koike pasó un tiempo como comprobador de algunos de los proyectos de su mentor, para luego pasar al frente realizando cuadros clave. Entre los títulos más destacables de esta época se encuentran algunos como Goku: Midnight Eye (1989), Yawara! (1989), El viento de amnesia (1990) o Doomed Megalopolis (1991). Pronto llegarían otros de gran relevancia, como la película Ninja Scroll (1993) o X (1996), así como la adaptación del manga Card Captor Sakura (1998) y sus posteriores largometrajes. El currículo se completa con Blood: The Last Vampire (2000), Vampire Hunter D: Bloodlust (2000), The Animatrix (2003), Dead Leaves (2004) y Trigun: Badlands Rumble (2010), aunque en realidad, son pocos los trabajos en los que de verdad destaca su talento hasta el cambio de milenio.

Su primera oportunidad como director llegó en el año 2000 con el film de acción real Party 7, para el que dirigió la secuencia animada de introducción. Koike tendría la oportunidad de hacer otras pequeñas aportaciones de este tipo, siendo las más memorables las OVAs Trava: Fist Planet (2003), en las que recibiría un completo control creativo; sin embargo, su verdadera obra maestra llegaría unos años más tarde: Redline (2009) tardó siete años en fraguarse, pero la espera valió la pena. La película es un auténtico espectáculo audiovisual y, en cierto modo, ha definido el estilo tan característico que aporta ahora a todas sus producciones, con un gran énfasis en los sombreados y en los trazos gruesos. Respecto a esto último, no hay mejor muestra que sus últimos trabajos como diseñador de personajes, tanto en la serie Lupin III: Mine Fujiko to Iu Onna como en la película Lupin III: Daisuke Jigen no Bohyō, en la que también ha sido director.

WONDER GARDEN

Pues aquí os traemos otro corto animado. En esta ocasión, se trata de uno de los primeros trabajos del prometedor Studio Colorido, aunque esta vez no está dirigido por el genio Hiroyasu Ishida sino por el veterano Yojiro Arai, que fue uno de los animadores principales de la película Arriety y el mundo de los diminutos. WONDER GARDEN forma parte del proyecto artístico Control Bear y es, sin duda, un ejemplo perfecto de lo que puede ofrecernos el estudio en el futuro.

Ryo Nagamatsu

Aprovechando el lanzamiento de Mario Kart 8, parece una buena ocasión para hablar sobre Ryo Nagamatsu uno de los compositores que más se ha hecho notar en el último semestre gracias a sus potentes melodías y a su prometedora trayectoria que, esperemos, le lleve a tomar algunos de los proyectos más importantes de su compañía. Nacido el 25 de octubre de 1982, lo cierto es que los inicios de Nagamatsu con la música fueron relativamente tardíos, ya que no empezó a tocar el piano hasta los 12 años. Aprendiendo de forma autodidacta, fue aumentando sus conocimientos musicales hasta que en segundo curso de la secundaria básica decidió que ya era hora de aprender a componer. Así pues, haciendo sus primeros pinitos en el panorama amateur, logró entrar en Nintendo y fue asignado al Departamento de Sonido en 2006.

Su primer contacto con los juegos de la compañía fue con Wii Play, en el que trabajó junto a Shinobu Tanaka. Al año siguiente tuvo la oportunidad de encargarse casi en solitario de la banda sonora de otro título de primera hornada, el Big Brain Academy para Wii, bajo la dirección del veterano Hajime Wakai. Ya aquí fue capaz de demostrar un poco más de libertad artística, en especial a través de la inclusión de instrumentos japoneses en las composiciones. Posteriormente, participaría también en el disco Touch! Generations Sound Track con arreglos para el tema en vivo de Wii Sports y tocando el piano y la flauta para esta misma melodía.

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Como en anteriores ocasiones, aprovechamos esta fiesta tan señalada para recomendar algunos libros de autores japoneses, y más ahora que la oferta en las librerías se está ampliando cada vez más. Así pues, aquí os dejamos con cinco sugerencias para sumergirse en los encantos y la filosofía nipones, aunque hay muchos otros que también podéis encontrar y disfrutar. Os animamos a que les deis una oportunidad y a que nos dejéis un comentario recomendando otros que hayáis leído ya.

· La vida de Budori Gusko (Kenji Miyazawa, Satori Ediciones)

Las vidas del pequeño Budori y su hermana Neri cambian por completo cuando sus padres caen gravemente enfermos. Solos en el bosque de Ihatov intentarán sobreponerse a las desgracias con la ayuda de una serie de excéntricos y misteriosos personajes que se van cruzando en su camino. Budori Gusko vivirá inolvidables aventuras y hallará sentido a su vida llegando a convertirse en un héroe que salvará al mundo.

Un imprescindible del siempre bienvenido Kenji Miyazawa, que una vez más nos trae un cuento lleno de simbolismo y de amor por el medio ambiente. Se trata, además, de otra de las historias que transcurren en Ihatov, el mundo de fantasía que ideó y que es escenario de varias de sus obras más conocidas, y ha sido adaptada recientemente a una película de animación. Como aliciente, el libro incluye otros cuatro relatos: «La estrella Chotacabras», «Las bellotas y el gato montés», «Obbel y el elefante» e «Historias de un espíritu», todos ellos igual de interesantes y memorables, poniendo de manifiesto el gran talento del autor.

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Reconocido como uno de los diseñadores más influyentes en el mundo de la animación japonesa, Yoshikazu Yasuhiko lleva ya más de 40 años trabajando en la industria como diseñador, animador y director, pero cabe destacar que no es menos famoso dentro del mercado del manga, donde también ha realizado trabajos de lo más memorables. Yasuhiko nació en la ciudad de Engaru, Hokkaido, en diciembre de 1947. Tras abandonar sus estudios en la Universidad de Hirosaki, encontró trabajo en el estudio Mushi Production dirigido por el célebre Osamu Tezuka, donde realizó labores de diseño y animación en series como Sasurai no Taiyō (1971).

Mobile Suit Gundam

Poco después, empezó a trabajar de forma independiente para varios estudios de animación. Así fue cómo tuvo la oportunidad de participar preparando los storyboards de la famosa Space Battleship Yamato (1974), que le aportaría gran éxito profesional y que se convertiría en una de las series más importantes durante los años setenta. Sin embargo, no sería este el título más importante en su currículum: unos años más tarde, en 1979, el director Yoshiyuki Tomino le brindaría la oportunidad de realizar los diseños de su nueva obra, Mobile Suit Gundam, que revolucionaría por completo la concepción del anime como tal y que inició un tremendo boom por las historias de robots y de ciencia-ficción en general. Posteriormente, serían las películas Arion (1986), basada en un manga propio, y Venus Wars (1989) las que mantendrían viva la fama de Yasuhiko dentro del panorama otaku japonés. Yuusha Raideen (1975), Muteki Chōjin Zambot 3 (1976), Crusher Joe (1983) y Kyōshin Gorg (1984) completan la lista de las obras más importantes en las que ha metido mano nuestro ilustre artista.

Dirty Pair

Así mismo, y como ya hemos comentado, el manga conforma también un elemento importante dentro de su historial. Destacan especialmente las obras centradas en personajes históricos (reales o no) que repasan la vida de estos de forma muy interesante: algunos de sus protagonistas son Alejandro Magno, Juana de Arco, Jesús o el mismísimo Trotsky, demostrando así que la fantasía futurista no es lo único que se le da bien. Como ilustrador, también ha aportado su granito de arena realizando las portadas y diseños para varias novelas como la serie Dirty Pair de Haruka Takachiho o nuevas ediciones de clásicos como La Odisea de Homero, e incluso para algún que otro videojuego como la versión japonesa de Might & Magic.

Su último proyecto importante le ha permitido reencontrarse con la serie que le hizo famoso: Mobile Suit Gundam: The Origin es un remake que amplía la historia original y le otorga una nueva identidad, incluyendo todo lo que hizo grande a la serie pero adornado con el estupendo estilo que el autor ha ido desarrollando a lo largo de su carrera. Actualmente se encuentra enfrascado en la publicación de Yamato Takeru -Joshō-, la historia del duodécimo emperador de Japon que es protagonista de varias leyendas durante el siglo VIII.

Birth

Hace mucho tiempo, Aqualoid era un planeta próspero y rebosante de vida; sin embargo, la llegada de los misteriosos Inorganics, unos seres metálicos venidos de otro universo, lo convirtió en un páramo donde apenas resisten unos pocos núcleos habitados. Así se han mantenido las cosas hasta que un día, el joven Nam descubre una extraña espada con el poder de hacer frente a los susodichos invasores… y la cosa se desmadra. Tras reunirse con su hermana Rasa y sus amigos Kim y Bao, descubre que la espada es la legendaria SHADE, un arma cósmica con la fuerza necesaria para salvar el mundo de la terrible amenaza que los somete, pero no pasa mucho hasta que los Inorganics despliegan una abrumadora ofensiva con la intención de destruirlos a ellos y a su recién adquirida esperanza. ¿Conseguirán hacerles frente o destruirán Aqualoid en favor de un nuevo mundo?

Birth (editada en España con el nombre El mundo del talismán) surgió como un proyecto muy especial que poco tenía que ver con los convencionalismos a los que la animación japonesa se había aferrado hasta entonces. Dirigida por el poco prolífico Shinya Sadamitsu y con los diseños de personajes de Yoshinori Kanada, fue una de las primeras OVAs que llegaron al mercado doméstico. Curiosamente, fue uno de los primeros trabajos profesionales de un inexperto Hideaki Anno, así como uno de los más desconocidos del compositor Joe Hisaishi (curiosamente, ambos habían coincidido anteriormente en la producción de la película Nausicaä del Valle del Viento).

Si bien no se puede decir que el film fuera un éxito, lo cierto es que logró influenciar a toda una generación de futuros animadores que quedaron impresionados por el resultado final: entre ellos, algunos bastante famosos como Hiroyuki Imaishi (Kill la Kill) o Seiya Numata (Fullmetal Alchemist). Y es que en realidad, este título es todo un espectáculo animado. La historia (de sentido bastante cuestionable) es más bien una excusa para poder realizar esa tremenda explosión de escenas frenéticas y dinámicas, con cambios de perspectiva muy fluidos y unos movimientos la mar de naturales. Desde luego, y siendo sinceros, Birth está lejos de ser un producto refinado y tiene bastantes errores, pero no por ello deja de asombrar por lo adelantado a su época, así que resulta una película de lo más interesante si os gusta la animación y estáis dispuestos a no hacer caso de su argumento.

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