Consagrado como uno de los compositores más importantes de Japón, Kenji Kawai es conocido por su labor en el mundo del anime y del cine por sus excelentes bandas sonoras, que adornan algunas de las películas más representativas del cine japonés. Respetado por músicos y fans por igual, lleva ya un cuarto de siglo deleitándonos con sus creaciones y su especial talento.

Kawai nació en Shinagawa, Tokio, en 1957. Después de dejar un programa de ingeniería nuclear en la Universidad de Tokai, empezó a estudiar música en la Academia Musical Shobi. Sin embargo, la dejó también después de medio año. Junto a unos amigos creó la banda Muse, dedicada al rock fusión y a participar en competiciones musicales. A través de estos concursos, los miembros de la banda ganaron suficiente experiencia para entrar en la industria musical y decidieron disolver el grupo. Al terminar con Muse, Kawai empezó a componer para anuncios en su estudio. Así conoció a la directora Naoko Asari, quien le aconsejó entrar en el mundo de las bandas sonoras para anime.

Algunos de sus primeros trabajos los podemos encontrar en Maison Ikkoku, Devilman, Patlabor o Ranma ½, aunque no hay duda de que su obra más famosa en los noventa fue Ghost in the Shell. Otros animes más modernos en los que también podemos encontrar su sello son Fate/Stay Night, Higashi no Eden o The Sky Crawlers. Siguiendo su éxito con la animación, el compositor decidió colaborar también en el mundo de las películas de acción real. Así fue cómo participó en filmes como The Ring, Death Note, Dark Water o GANTZ. Ha trabajado en numerosos proyectos con el director Mamoru Oshii y también en todas las películas de Hideo Nakata.

Reincarnation, de Ghost in the Shell, en un concierto de Kenji Kawai en 2007

Como complemento a su carrera, su talento le ha llevado a trabajar en menor medida para el sector de los videojuegos, creando la música de tres juegos en total: Deep Fear, de Sega Saturn; Nobunaga’s Ambition Online, para PlayStation 2; y el singular Folklore, de PlayStation 3. Como reconocimiento por sus años de trabajo componiendo para el mundo audiovisual, Kawai se ha ganado un gran respeto entre los músicos japoneses. No en vano sus creaciones han sido nominadas en varias ocasiones en la categoría de Mejor banda sonora original, tanto en su país como en festivales de todo el globo. De hecho, en 2008 logró ganar este galardón en el Festival Internacional de Cine de Sitges, por las melodías de la película The Sky Crawlers.

He aquí un clásico del shōnen que, eclipsado por las estrellas de Shōnen Jump, es probable que a la mayoría os resulte completamente desconocido. Ushio to Tora, del famoso dibujante Kazuhiro Fujita, es una historia de acción y yōkais que se convirtió por méritos propios en uno de los mangas más destacables de los noventa. Como curiosidad, es el manga favorito de Takeshi Obata, el artista detrás de Death Note y Bakuman. ¡Ahí es nada!

La familia de Ushio Aotsuki dirige un templo donde hace 500 años uno de sus ancestros, un valiente samurái, combatió contra un enorme monstruo con forma de tigre y logró atraparlo en un muro atravesándolo con un arma mágica llamada “la lanza de la bestia”, que concede fuerza, resistencia y velocidad a aquel que la porte a cambio de absorber un poco de su alma. Un día, Ushio se topa con el muro en cuestión, que permanecía oculto en los sótanos del templo, y allí descubre que la leyenda era cierta: Tora, el temible monstruo, está allí y jura comérselo en cuanto logre salir de su prisión. La aparición de varios espectros obliga a Ushio a liberar a Tora para que le ayude, pero éste no se atreve a devorarlo por miedo al poder de la lanza. A lo largo de la historia, veremos cómo se desarrolla esta peculiar relación y cómo logran acabar con distintos enemigos mitológicos mientras Tora intenta adaptarse a la vida moderna.

La publicación de Ushio to Tora empezó en 1990 en la revista Shōnen Sunday de Shogakukan. Kazuhiro Fujita, su autor, no es precisamente un gran conocido por estos lares, pero en Japón es uno de los autores de shōnen más reputados debido a su gran trayectoria. De hecho tres de sus asistentes han conseguido convertirse en famosos mangakas gracias a sus enseñanzas: Nobuyuki Anzai (MÄR, Flame of Recca), Kazurou Inoue (Midori no Hibi) y Makoto Raiku (Konjiki no Gash Bell). Fujita ganó el premio a mejor manga del año en los Premios Shogakukan de 1992 y el Premio Seiun en 1997 por su siguiente éxito editorial, Karakuri Circus. La historia de Ushio to Tora fue adaptada en tres tandas de OVAs entre 1992 y 1993, de seis, cuatro y un episodios, respectivamente.

Debido a su continuo mal comportamiento, el dios Izanagi exilió del cielo a su hijo Susanoo. Éste viajó hasta la provincia de Izuma, que actualmente forma parte de la prefectura de Shimane. No pasó mucho tiempo hasta que se encontró a un hombre de avanzada edad y a su mujer, llorando al lado de su hija. La pareja le explicó que en realidad tenían ocho hijas, pero fueron devoradas una cada año por un malvado dragón llamado Yamata-no-Orochi. El terrible monstruo poseía ocho cabezas y ocho colas, su cuerpo se extendía a lo largo de ocho colinas y se contaba que tenía ojos tan rojos como el vino. Kushinada, la joven junto a la que lloraban los ancianos, era la última de sus ocho hijas.

El dios les ofreció su ayuda a cambio de la mano de la chica. Los padres aceptaron y Susanoo transformó a Kushinada en una peineta, que escondió a salvo entre su pelo. Ordenó que construyeran una gran barrera alrededor de la casa, con ocho puertas en ella, ocho mesas en cada puerta, ocho cuencos en cada mesa, y cada cuenco lleno con ocho chorros de sake. Orochi llegó y se encontró el camino bloqueado, no consiguió atravesar la barrera a pesar de su altura. Su fino sentido del olfato notó la presencia del sake, la bebida que tanto le gustaba, y las ocho cabezas se hallaron en un dilema: querían beber el delicioso sake que les estaba llamando, pero la barrera se interponía en su camino, bloqueando cualquier forma de llegar hasta él. Una de las cabezas sugirió que echaran la zanja abajo, pero eso podría derramar la bebida y el esfuerzo sería en vano. Otra propuso que exhalaran su flamígero aliento y quemaran la barrera, pero entonces el sake se evaporaría…

La épica lucha entre Susanoo y Orochi es una de las más famosas de la mitología japonesa

Las cabezas empezaron a buscar una entrada y encontraron las aperturas. Ansiosos por el brebaje, metieron las cabezas por cada una de las puertas para beberlo. Pero la octava cabeza, que era la más sabia, les advirtió a las demás del peligro y se ofreció voluntaria para asegurarse de que todo estaba bien. Susanoo esperó su oportunidad, dejando que bebiera para darle impresión de seguridad y que informara a las demás de que no había riesgo alguno. Las ocho cabezas volvieron a entrar por las puertas y se bebieron con avidez hasta la última gota de los cuencos.

Cuando todas terminaron, Susanoo lanzó su ataque contra Orochi. Ebrio por beber tanto alcohol, la gran serpiente no fue rival para el dios, que decapitó todas sus cabezas y consiguió derrotarlo. Mientras cortaba su cuerpo, Susanoo encontró en la cola del dragón una excelente espada que la hoja de la suya propia no consiguió cortar. Más tarde presentó la espada a su hermana Amaterasu y ésta la llamo Ama-no-Murakumo-no-Tsurugi (“espada de las nubes que se reúnen en el cielo”), aunque posteriormente se la conocería con el nombre de Kusanagi (“cortadora de hierba”). Esta espada se convertiría en motivo de muchas otras aventuras que tendrían lugar en generaciones posteriores.

Hoy en día, parece que si una serie no tiene los rasgos característicos a los que estamos acostumbrados no podemos llamarla “anime”, pero por nuestra parte no podemos estar más en desacuerdo. Rompiendo una lanza en favor de la animación experimental, en esta ocasión queremos presentar un título que no se ajusta en absoluto a la animación japonesa convencional, sino que busca innovar y sorprender con su peculiar estilo: a piece of PHANTASMAGORIA.

Phantasmagoria es un pequeño planeta que bien podría estar sacado de nuestros sueños más fantasiosos. La historia, que se desarrolla en quince pequeños relatos de unos cinco minutos cada uno, nos presenta distintos sucesos que ocurren en este mundo tan misterioso pero atractivo. Ya sea una jungla de setas, una enorme bombilla en medio de la nada o un desierto hecho de cubos, nada es suficiente para terminar de asombrarnos, menos aún cuando todo tiene una pequeña historia que espera a ser escuchada. Mientras recorremos los distintos lugares de este astro lleno de magia y fantasía, los narradores nos invitan a relajarnos y a disfrutar de las sencillas anécdotas que suceden en ellos cada día.

a piece of PHASTASMAGORIA es un proyecto de Shigeru Tamura basado en su cuento homónimo publicado seis años atrás, en 1989. Se trata de un proyecto muy intimista y profundo, casi contemplativo, como tantas otras historias que ha creado. Además, fue de las primeras obras en ser completamente animadas por ordenador, una novedad a mediados de los noventa, cuando apenas se empezaban a implantar técnicas digitales en las series y películas de la época. Al contrario que en Glassy Ocean, su siguiente creación (de la que nuestro colega Ginji ha realizado una estupenda reseña en su blog Habitación de un otaku), la animación todavía es un poco tosca, pero no deja de tener su mérito por la innovación que supuso. Como muchos filmes experimentales, el surrealismo de éste ahuyentará al espectador casual, pero no dudamos de que atraerá la atención de aquellos que ven la animación como un medio artístico y de los que estén dispuestos a sumergirse en un maravilloso mundo de ensueño.

Una de tantas historias en Phantasmagoria

Ya pensabais que hoy no había entrada, ¿eh? Pues nosotros también: un poco más y no llegamos. Pero bueno, al margen de nuestra tremenda habilidad para hacer las cosas a última hora, hoy queremos hablaros de uno de los estudios con más talento dentro de la industria de los videojuegos, una empresa que ha dedicado todos sus esfuerzos en crear títulos de calidad y muy diferentes a lo que ofrecen las demás. Se trata de Platinum Games, una compañía que haciendo honor a su nombre, lleva cinco años desarrollando juegos que nunca dejarán de brillar.

La historia esta empresa empezó en 2004, con la creación de Clover Studio. Planteado como un estudio anexo a Capcom, su objetivo era crear nuevas franquicias en vez de limitar a seguir las ya existentes. Fue así como nacieron títulos tan conocidos y bien recibidos como Viewtiful Joe, Ōkami y God Hand. Sin embargo, debido a las discretas ventas de estos juegos, la empresa madre decidió absorber el estudio para poder manejar mejor sus producciones, algo que hubiera limitado por completo su libertad creativa. Así pues, los miembros de Clover Studio decidieron cerrar el tenderete y crear una nueva compañía independiente con la que llevar a cabo sus ideas, gracias al talento de genios como Hideki Kamiya o Shinji Mikami.

Bayonetta se ha convertido en una musa de los videojuegos

Platinum Games nació, pues, en 2007 y al año siguiente anunció un acuerdo con Sega, que se encargaría de distribuir todos sus juegos. En el acuerdo entraron cuatro títulos, que son los que han aparecido hasta el momento. El primero de ellos fue MadWorld, un juego de acción ultraviolento en blanco y negro lanzado para Wii. A éste le siguió Infinite Space, un RPG de ciencia-ficción para Nintendo DS con sorprendentes mecánicas de juego y customización. El tercero es quizás el más famoso y alabado, el estupendo Bayonetta, otro título de acción (esta vez para PS3 y XBOX 360) que se ha ganado el respeto de jugadores y críticos de todo el mundo, y ha conseguido valoraciones sobresalientes por parte de los medios especializados. El cuarto y último es Vanquish, un shooter futurista tan frenético como original, que fue dirigido por Shinji Mikami antes de fundar su propio estudio, Tango Gameworks.

El productor Atsushi Inaba declaró que su acuerdo con Sega había sido muy satisfactorio y que les estaban muy agradecidos por la libertad que les habían dado a la hora de crear los juegos, por lo que el estudio ha decidido extender un poco más su colaboración. El tremendo éxito de sus creaciones le ha hecho ganarse un nombre dentro de la industria del videojuego, y no es de extrañar que actualmente Konami haya decidido confiar en esta empresa para desarrollar el nuevo Metal Gear Rising: Revengeance en colaboración con Kojima Productions. A su vez, Platinum Games está terminando Anarchy Reigns, un beat’em up online basado en las ideas de MadWorld.

Un simpático vídeo en su web nos muestra el interior de sus oficinas

Sin embargo, si algo ha hecho grande a esta empresa es su actitud hacia el consumidor, siempre muy amistosa y cordial. Se toman muy en serio los comentarios de los jugadores, y están deseando que les increpéis en su página web o en su Twitter con vuestras impresiones. Su afán por acercarse más al público queda patente en las distintas iniciativas que han llevado a cabo en la red, siendo la última de ellas un tour por sus instalaciones para que podamos ver el lugar donde crean su magia. Como ejemplo de sus divertidas excentricidades, su web japonesa alberga un manga como propaganda para reclutar a nuevos miembros, que por supuesto no está exento de locuras de todo tipo. No dudamos que tanto éstos como sus próximos juegos se convertirán en grandes iconos de la presente generación de consolas, así que os animamos a que estéis atentos a sus próximas novedades y a probar alguno de sus juegos si todavía no lo habéis hecho.

Uno de los grupos más conocidos de esta última década fueron las ZONE, una banda de pop/rock femenina que encandiló al público japonés con su talento y sus grandes temas. ZONE (que también sirvió de inspiración para crear a las ENOZ de La melancolía de Haruhi Suzumiya) estuvo formado por la cantante Miyu Nagase, la guitarrista Takayo Okoshi, la bajo Sakae Maiko y la batería Mizuho Saito. Establecidas en Sapporo, ganaron un disco de oro y se convirtieron en todo un icono del movimiento femenino dentro de las bandas musicales.

La banda empezó en 1999, cuando Studio Runtime decidió realizar algunas audiciones para formar un nuevo tipo de grupo: una “bandol” (mezcla de “band” y “idol”), en el que sus integrantes cantaran, bailaran y tocaran un instrumento. El nombre de la banda hace referencia a su objetivo de empezar en lo más bajo, la Z, y desde ahí alcanzar el puesto number ONE. Al principio, ZONE contaba con ocho miembros, pero luego a pasó a tener seis y finalmente cuatro. En 1999, la banda lanzó su primer single, believe in love. En él todavía mostraban el típico estilo pop de las idol, donde sólo se limitaban a cantar y bailar. Sin embargo, al año siguiente las chicas eligieron un instrumento y empezaron a practicar con su respectivo. En 2001 volvieron a la carga con un nuevo sencillo, GOOD DAYS, que cosechó unas ventas más que respetables.

Su verdadero triunfo llegó con su cuarto single, secret base ~Kimi ga Kureta Mono~, cuyo tema principal trata sobre una triste despedida entre amigos. La canción se convirtió en un éxito inmediato y llegó al segundo puesto de las listas Oricon, además de servir como tema de cierre para los animes Kyō no Go no Ni y AnoHana. La salida de su sexto sencillo, Yume no Kakera…, vino acompañada de su primer álbum recopilatorio, Z, consiguiendo ambos unas buenas ventas. Nueve meses más tarde, repetirían la jugada con el segundo álbum, O, y el noveno single, Shiroi Hana, siendo este último el tema elegido para el juego Final Fantasy Tactics Advance. Poco después, true blue se convertiría en el ending para la nueva serie de Astro Boy, y también en el tema más vendido desde su exitoso cuarto single.

Sin embargo, las chicas se estaban haciendo mayores. Takako decidió abandonar la banda para centrarse en sus estudios universitarios, por lo que su última colaboración fue con el single Boku no Tegami, que llegó al segundo puesto en las listas de ventas. Después de cuatro meses de ausencia, ZONE volvió en 2004 con energías renovadas y una nueva guitarrista, Tomoka Nishimura, una de las seis componentes originales antes de la reducción en el grupo. Por desgracia, los siguientes lanzamientos de la banda no tuvieron el éxito deseado, y cada uno vendía menos que el anterior. En febrero de 2005, ZONE anunció que se separaría después de la gira de primavera, el 1 de abril. Con un último concierto en el Budokan, las artistas se despidieron con una acertada interpretación de secret base ~Kimi ga Kureta Mono~. Actualmente, Miyu y Takayo siguen carreras en solitario, mientras que Maiko libera la banda femeninda MARIA.

Seguro (segurísimo, vamos) que los fans de Detective Conan habéis oído hablar de Rampo Edogawa, un escritor japonés que jugó un papel importantísimo en el fomento del género de misterio dentro de Japón. Admirador de escritores extranjeros como Arthur Conan Doyle o Edgar Allan Poe, decidió tomar el nombre de este último para forjarse un pseudónimo (“Edogawa Rampo” es más o menos la pronunciación japonesa de Edgar Allan Poe) y empezar a crear él mismo esas historias que tanto le gustaban.

El verdadero nombre de Rampo Edogawa era Taro Hirai. Nació en 1894 en el pueblo de Nabari, en la provincia de Mie. Creció en Nagoya y cursó estudios de Economía en la Universidad de Waseda en 1912. Después de graduarse en 1916, estuvo trabajando en cosas muy distintas pero en las que duró poco tiempo. Por ejemplo, fue empleado de una compañía de viajes, propietario de una librería, vendedor en  un puesto ambulante de fideos y empleado de una empresa de publicidad para periódicos. Su debut como escritor llegó en 1923 con Nisen Doka (“Las dos monedas de cobre”), para la que ya usó su famoso pseudónimo. Aunque ya habían aparecido algunas historias con ciertos toques de misterio, la crítica encontró sorprendente el relato de Edogawa por centrarse en el proceso lógico para resolver el misterio, más aún cuando la clave residía en un cántico budista y el braille japonés, algo que desentona por completo con los habituales elementos occidentales que uno podía encontrar en las novelas extranjeras.

Hasta la aparición de este relato, el mundo de la literatura de misterio en Japón se limitaba a unas pocas traducciones de novelas extranjeras obra de Poe, Doyle, Leblanc y otros contemporáneos. Sin embargo, esta historia de Edogawa causó una increíble revolución en el panorama literario del país, y dio pie a que otros escritores se lanzaran a escribir sus propios relatos. Con el paso de los años, el autor escribió otras tantas historias sobre crímenes y misterios, que ahora se consideran clásicos de la literatura contemporánea japonesa: por ejemplo, D-zaka no Satsujin Jiken (“El caso de homicidio en la colina D”), Yaneura no Sanposha (“El acosador del ático”) o Ningen Isu (“La silla humana”).

Kogoro Akechi y el ladrón de las veinte caras inmortalizados en un especial protagonizado por Masakazu Tamura y Takeshi Kitano

El primero de estos tres títulos fue además la introducción del detective Kogoro Akechi, que se convirtió en un personaje regular en sus historias y que muchos consideran el Sherlock Holmes japonés. Entre los muchos criminales a los que tuvo que desenmascarar destaca el Ladrón de las Veinte Caras, especialista en hacerse pasar por otros y todo un icono de los villanos literarios. Con el tiempo, Akechi ganó un ayudante, el joven Kobayashi, y juntos crearon la popular Liga juvenil de detectives, que se ocupaba de investigar crímenes menores. Estos relatos tuvieron una gran aceptación entre el público juvenil y ayudaron a fomentar el género entre los lectores más jóvenes.

Tras la Segunda Guerra Mundial, periodo en que sufrió mucho por causas evidentes, Edogawa dedicó gran parte de sus esfuerzos a promover las novelas de misterio, tanto en su consumo como en su elaboración. En 1946 ayudó a crear un magazine para este fin llamado Houseki, y en 1947 fundó junto a otros escritores el Tantei Sakka Kurabu (“Club de Autores Detectives”), que en el ’63 cambió su nombre a Nihon Suiri Sakka Kyoukai (“Escritores de Misterio de Japón”). Así mismo, escribió un gran número de artículos sobre historia de la literatura de misterio japonesa, europea y americana, muchos de los cuales terminaron reunidos en libros para su estudio. El escritor murió en 1965 por hemorragia cerebral y fue enterrado en Tsu, un pueblo cercano a su lugar de nacimiento.

La relación entre Conan y Kogoro es más profunda de lo que parece

Siendo un autor tan icónico dentro de la historia literaria de Japón, parece normal que muchas de sus obras hayan terminado adaptadas en programas de radio y, especialmente, como películas. El nombre de Rampo Edogawa se ha convertido también en sinónimo de misterio, y tanto él como sus historias han servido de inspiración para crear numerosas producciones modernas. La más evidente la encontramos en el manga Detective Conan, donde se emplean constantes referencias a la obra del escritor, empezando por el propio apellido del protagonista. Otros títulos que también honran a Edogawa son Kindaichi Shōnen no Jikenbō, Nijū Menshō no Musume, Lupin III, Sakura Wars o El ladrón de las veinte caras de las CLAMP. Después de mucho tiempo, parece que en España han empezado a aparecer las primeras traducciones de este genio japonés de manos de Ediciones Jaguar, y ya podemos encontrar Relatos japoneses de misterio e imaginación, La lagartija negra y Moju: La bestia ciega.

¿Qué mejor que un manga de amor para el día de San Valentín? Eso sí, no esperéis que os recomendemos uno de los conocidos, ése no es nuestro estilo. Lo que hoy traemos es Hagoromo Mishin, una obra de Yuki Kodama, más conocida por su manga Sakamichi no Apollon, del que pronto se estrenará una (prometedora) adaptación animada.

Yōichi es un estudiante de Ingeniería conocido entre sus compañeros por su amor a los puentes, cuya única preocupación es si logrará terminar a tiempo los trabajos de la carrera. Un día, mientras observa la construcción de un puente cercano, se da cuenta de que un cisne se ha quedado atrapado entre el andamiaje de la obra, y corre a liberarlo antes de que se haga daño. Esa misma noche recibe la visita de una hermosa joven a la que no conoce de nada, pero que se empeña en darle las gracias por haberle ayudado. Miwa, que así se hace llamar, asegura ser el cisne al que ha salvado y quiere convertirse en su esposa para ayudarle en lo que sea menester y compensarle así por lo que hizo. Aunque reacio a creer su historia, Yōichi no se atreve a echar a una chica tan guapa, que además no parece tener dónde vivir, por lo que la acoge en casa a pesar de las burlas de sus amigos. Poco podía imaginar que esta entregada desconocida se fuera a convertir en el amor de su vida, con todo lo que podéis imaginar de esta situación… o no.

Hagoromo Mishin (“Tejiendo un manto”) es una obra corta de Yuki Kodama que se publicó en la revista Flowers de Shogakukan durante sólo cinco capítulos más otro extra, recopilado finalmente en un único tomo. La historia es en realidad una versión moderna de la conocida fábula japonesa La grulla agradecida, donde una grulla se transforma en una joven tejedora que fabrica unas telas preciosas para el hombre que la salvó en el bosque. La autora hace un buen uso de los elementos de este cuento para dirigir su historia, y sorprende con la increíble profundidad de los personajes, que en apenas un tomo están tan o más desarrollados que otros en obras mucho más largas. Esto, acompañado por el dibujo simple pero elegante del que hace gala, lo convierte en un manga más que digno y un buen exponente del potencial de Kodama, una mangaka en la que tenemos puestas muchas esperanzas.

Si sois de los que veis mucho anime, seguro que estáis más que familiarizados con el término OVA (original video animation), un formato en el que han aparecido multitud de producciones japonesas. ¿Pero qué sentido tenía la aparición de las OVAs teniendo ya series normales y películas para presentar las historias de los estudios? El principal motivo es que el consumidor puede hacerse con ellas inmediatamente, ya que no se emiten en televisión ni se estrenan en los cines, y por tanto no hay que esperar a su lanzamiento en DVD. Pero hay otros muchos factores que influyen en la creación de una OVA, como por ejemplo un presupuesto mayor respecto a un anime convencional o la facilidad de concentrar una historia corta sin tener que alargarla para ajustarse a las medidas establecidas para televisión.

El nacimiento de las OVAs tuvo lugar a finales de los años 80. Con la llegada de los reproductores de videocasete en los hogares japoneses, la industria del anime creció muchísimo gracias a la demanda masiva de material por parte de los consumidores, que estaban deseosos por comprar cualquier cosa que apareciera en este formato. Así pues, el lanzamiento de las primeras OVAs se convirtió más en una necesidad que en una opción. Se sabe que uno de los primeros intentos fue por parte de Osamu Tezuka, que editó una de las historias de Lion Books en 1983, pero parece que no hay pruebas de que realmente llegara primero en vídeo, motivo por el que queda descartado. Así pues, el honor de ser la primera OVA recae en Dallos, una producción del célebre Mamoru Oshii, que salió a la venta también en 1983.

FLCL es una de las series de OVAs más famosas

Otras compañías no tardaron en sumarse a la idea, y a mediados de década el mercado se inundó con este tipo de cintas, que normalmente incluían animes originales y autoconclusivos. De hecho, entre las primeras se encuentran títulos tan influyentes como Tatakae!! Iczer One, Megazone 23 o Bubblegum Crisis. Según empeoró la economía del país al entrar en los 90, este afán por editar anime con este formato fue disminuyendo en gran medida: se seguían produciendo OVAs, pero en menor medida, lo que no impidió la aparición de grandes súper ventas como Tenchi Muyo! o Record of Lodoss War.

Sin embargo, con la llegada del nuevo milenio, surgió una nueva corriente dedicada al lanzamiento de estos episodios. La idea era emitir una serie de éxito y dejar el capítulo final o una historia secundaria para su posterior edición en vídeo o DVD. Un buen ejemplo de esta estrategia comercial la encontramos en series como Love Hina o Rurouni Kenshin, que encajan perfectamente con la descripción de las OVAs modernas. Por supuesto, éste no es el único motivo por el que los estudios deciden optar por este formato. En algunos casos, sobre todo en los 80 y los 90, las restricciones audiovisuales impedían que el contenido de ciertas historias fuera emitido por televisión debido a su violencia o a su contenido erótico, por lo que editar el anime directamente en vídeo era una buena forma de llegar al público evitando la censura del momento.

El humor gamberro de Detroit Metal City no hubiera llegado al anime de no ser por este formato

Actualmente se ha recuperado el sistema de lanzar al mercado nuevas historias con este formato, algunas incluso a través de la red (las llamadas ONA, original net animation), debido a la mayor calidad en el producto final respecto a las series de televisión. En esta categoría entran mediometrajes como Pale Cocoon, Cencoroll o Black Rock Shooter, que se ha convertido en un anime de duración media gracias al éxito de este episodio piloto. Parece claro que las OVAs se han convertido en un recurso importante a la hora de editar anime, y que si bien han aparecido nuevos canales de distribución que hacen variar su nombre, de momento parece que no tienen intención de abandonarnos.

Como no tenemos mucho tiempo, esta vez os dejamos con un disco que nos ha encantado. GHIBLI meets JAZZ reúne dos elementos muy buenos ya de por sí y crea con ellos una mezcla superior, que encantará a los amantes de cualquiera de las dos partes. De grabación reciente, las melodías están interpretadas por el músico Kazumi Tateshi (al piano) y dos compañeros de fatigas: la batería Mao Suzuki y el bajo Shinobu Sato. Los temas recogen toda la filmografía del estudio, y tan pronto nos encontramos el Requiem de Nausicaä como Itsumo Nando Demo, de El viaje de Chihiro. Demostrando lo nuevo que es, incluye además una versión del tema principal de Arriety, compuesto por Cécile Corbel.

Sin embargo, no es la primera vez que Ghibli y el jazz se unen para sorprender al personal. Los fans se han tomado muy en serio las increíbles melodías de Joe Hisaishi y otros músicos que han prestado su talento para estas películas, y se han dedicado a crear sus propias versiones que poco o nada tienen que envidiar a las originales. Por ejemplo, la antología ALL THAT JAZZ, que ofrece canciones de anime con este estilo, dedica dos discos a la música de Ghibli. El grupo femenino Tokyo Brass Style tiene también otros dos discos igual de potentes, y aunque no termina de ser lo mismo, Ghibli Swing ~ Swing All-Stars resulta también un divertidísimo compendio de versiones marchosas. Os animamos a que escuchéis algunos de estos temas a través de YouTube y disfrutéis de ellos mientras estáis en el ordenador.