Texhnolyze

Yoshitoshi ABe quiso volver a sus orígenes más sombríos y habló con Madhouse para concebir un relato de ciencia-ficción como sólo él sabe hacer. Texhnolyze no es un proyecto más de corte futurista, se podría decir que es la evolución del autor para contar una historia psicológica, para mezclar dramatismo y filosofía en un cóctel que explora lo más profundo del comportamiento humano, así como sus miedos y preocupaciones más profundos. Para ello se valió de la ayuda del director Hiroshi Hamasaki, que hizo una estupenda labor en el control del desarrollo de la serie, y del guionista Chiaki Konaka, que ya trabajó con él en la producción de Lain.

El escenario de esta serie es la decadente ciudad de Lux, que día tras día ve cómo sus habitantes luchan por su control sin más resultado que frustración y resentimiento. Existen tres facciones principales en la pugna: los Órgano, un conglomerado empresarial que tiene ciertas relaciones con el mundo criminal y el negocio de las prótesis cibernéticas; la Unión, una organización de fanáticos que decide interferir las actividades de los Órgano; y los Racan, un grupo de jóvenes pandilleros. Es en este mundo donde Ichise, un prometedor púgil, pierde un brazo y una pierna para saciar la ira de uno de sus promotores. Ichise está a punto de morir, pero una doctora decide usarle como conejillo de indias para probar en él la evolución de los texhnolyze, las prótesis futuristas que tanto éxito tienen en la ciudad. Con sus nuevas extremidades, el joven cae bajo la tutela de Oonishi, un poderoso líder de Órgano, y también descubre su posible futuro gracias a los poderes de la florista Ran. Ahora que está a punto de estallar la guerra entre los ciudadanos de Lux, Ichise deberá desentrañar la verdad sobre ésta a la vez que lucha por su propia supervivencia.

Como bien ocurría con Serial Experiments Lain, nos vemos obligados a advertir de que éste no es un anime que podamos recomendar a todo el mundo. Quienes esperen una trama directa y llena de la acción habitual en las producciones modernas se llevarán una gran decepción al descubrir lo que ofrece en realidad. Sin embargo, no se trata en absoluto de una serie que podamos definir como “aburrida”. Texhnolyze es un ciberpunk muy en la línea de lo que cabe esperar con el ABe más oscuro, lleno de temas bastante incómodos, pero que entraña un gran simbolismo y que consigue transmitir con gracia las perturbaciones de los protagonistas y de la propia metrópolis. La historia se antoja muy realista a pesar de su contexto ficticio, y seguro que agradará a quienes busquen algo más complejo e introspectivo. Desde luego no podemos decir que se trate de una obra maestra de la animación, pero sí un título muy a tener en cuenta a pesar de ser tan poco conocido.

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Abenobashi Mahou Shoutengai

Damos por sentado que mucha gente está al corriente de este título, pero aunque no nos gusta hablar de series tan conocidas, nos vemos en la obligación de recordarla por si todavía hay alguien que no la ha descubierto. Abenobashi Mahou Shoutengai (“El distrito comercial mágico de Abenobashi”) es un anime de 13 episodios producido por Gainax y animado por Madhouse que se estrenó en abril de 2002. La serie es conocida por muchas cosas, pero en especial por el gran elenco de profesionales que tiene a sus espaldas: Hiroyuki Yamaga en la dirección, Shiro Sagisu como compositor, y como estrella invitada, Kenji Tsuruta a cargo del diseño de personajes. ¡La leche en escabeche!

Sasshi (Satoshi) y Arumi son dos chavales que han sido amigos desde pequeños y que viven en el distrito comercial Abenobashi de Osaka. Sin embargo, aunque su vida había sido muy estable y alegre hasta el momento, parece que el barrio está a punto de ser remodelado y muchos de los comercios tendrán que cerrar, entre ellos los baños públicos de la familia de Sasshi. Para colmo de males, la familia de Arumi se traslada a Hokkaido, así que tampoco podrán verse más. Deprimidos por los sucesos que pronto acabarán con la vida que llevaban, el dúo protagonista es transportado de pronto a un mundo paralelo donde reina la magia, aunque este lugar no será sino el principio de una larga aventura. Los chavales tendrán que buscar la forma de volver a casa, aunque para ello tendrán que atravesar un sinfín de mundos bastante surrealistas, cada uno más absurdo que el anterior.

Muchos comparan la serie con Excel Saga, otra conocida comedia, por el marcado carácter paródico del que hace gala. Abenobashi Mahou Shoutengai se burla sin prejuicios de todo tipo de géneros y aficiones, en especial de los intereses otakus más típicos. Aun así, la historia no sólo se centra en el humor, sino que en el fondo también tiene cierto mensaje para el espectador. Sasshi y Arumi crecen como personas a lo largo de su periplo y descubren el verdadero significado de éste, recalcando así que si bien se trata de una serie de humor, eso no impide que haya un cierto desarrollo de los personajes, y de hecho esto ayuda a que los vayamos apreciando más y más según avanza la trama. De forma paralela al anime, se publicó una adaptación de la historia en la revista Afternoon de Kodansha, que cuenta con dos tomos y un poco más de fan-service respecto al original, que ya de por sí iba bastante cargadito.

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Mouryou no Hako

Madhouse es un estudio de sobra conocido en el mundillo, en especial por el calibre que se gasta en sus producciones, la mayoría de ellas grades ejemplos de buen hacer en el mundo de la animación. En la última década nos ha regalado producciones como Monster, Kaiba o The Tatami Galaxy, que no hacen sino reafirmar este título de gran empresa. Pero en su largo currículum hay una serie bastante interesante que se escapó de los radares de muchos cuando se emitió hace cosa de cuatro años, un thriller de misterio que habrá sido discreto, pero que esconde un gran potencial. Mouryou no Hako, adaptación de la novela de Natsuhiko Kyougoku, se presentó primero como manga y como película de acción real, pero fueron los chicos de Madhouse quienes consiguieron el mejor resultado, que ahora toma forma de anime de 13 episodios.

A principios de los años cincuenta, la discreta y distante Yoriko Kusumoto atrae la atención de su compañera de clase Kanako Yuzuki. A su vez, la belleza y el aura enigmática de ésta atrae a Yoriko, iniciando así una amistad que le ayudará a olvidarse de los problemas que tiene con su madre. Un día, Kanako la invita a pasar la noche en un lago, donde podrán ver la luna en el hermoso cielo nocturno de verano, pero la velada termina en tragedia: Kanako es hallada muerta en las vías del tren. La duda salta de forma instantánea. ¿Quién es el culpable de este homicidio? ¿Y qué relación tiene este caso con una extraña serie de asesinatos de colegialas, de las que sólo se encuentran sus brazos? El detective Kiba tendrá que usar todo su ingenio para desvelar el truculento misterio que se cuece en el pueblo.

La serie, de 2008, está dirigida por Ryonosuke Nakamura y cuenta con los diseños del cuarteto CLAMP. Ciertamente, es una lástima que en su momento pasara tan desapercibida, porque cuenta con un gran ritmo a la hora de narrar la historia y sabe cómo mantener el suspense en cada episodio, y los tonos apagados también ayudan a mantener la atmósfera del argumento, que además está muy ligada a las tradiciones y creencias de los japoneses. En realidad, éste sería el punto más turbio del anime, ya que es imprescindible conocer un poco cómo funciona la mitología nipona para no perderse en las numerosas referencias que aparecen a lo largo de toda la trama, y que seguramente confundan a los más neófitos en la material. De todas formas, recalcamos que se trata de una serie sorprendente que gustará mucho a los amantes del misterio, y aunque no está hecha para todos los paladares, vale la pena echarle un ojo sólo por comprobar lo redonda e inteligente que es.

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Kaiba

Pese a que hay miles de millones de producciones de todo tipo, cada vez nos cuesta más encontrar un título interesante sobre el que escribir que no sea la típica serie de moda o el nuevo trabajo de un autor famoso. Por eso nos hemos sorprendido gratamente cuando nos ha llegado una revelación, una epifanía mental (bueno, tampoco nos pasemos) sobre aquello que hoy debíamos comentar. Y es que con el tiempo que llevamos, ¡aún no hemos hablado de Kaiba! Grandísima serie que recibió muy poca atención en el momento de su estreno, pero que hoy recuperamos para darla a conocer como se merece. Una vez más, se trata de una de esas historias que pueden engañar por su aspecto sencillo e incluso infantil, pero que detrás esconde un auténtico sabor adulto que quizás no sea del gusto de todos los paladares.

En el mundo futurista de esta serie, las memorias de las personas se pueden almacenar en chips y ser transferidas a otros cuerpos, o incluso almacenarlas durante largos periodos de tiempo. Así mismo, también se pueden manipular o borrar a placer, lo que ha resultado en una grave alteración de las personalidades de la población. Kaiba es un joven que despierta confundido sin ningún tipo de recuerdo: su único vínculo con su identidad es un camafeo con la fotografía de una chica, de la que está seguro que está enamorado. Su objetivo desde ese momento será recuperar sus recuerdos perdidos para descubrir quién es él y quién es la misteriosa joven que lleva en su medallón, pero por supuesto la cosa no será tan sencilla. Desde el mismo momento en que sale de su sueño, Kaiba se encuentra sumergido en una horrible distopía donde su vida estará amenazada con cada paso que dé, ya sea por los cazadores de cuerpos o por los peligros que aguardan en los planetas que visite.

A nivel técnico, cabe decir que Kaiba es una delicatessen como hacía tiempo que no se veía. El apartado artístico, que cuenta con diseños del veterano Nobutake Ito, recuerda al estilo de los cincuenta y los sesenta, mucho más propio de Tezuka o Fujiko Fujio que de los artistas actuales, lo que le da un sabor aún más especial a esta historia clásica de ciencia-ficción tan peculiar. A su vez, la música compuesta por Kiyoshi Yoshida no sólo acompaña a la ambientación, sino que logra capturar perfectamente las emociones de cada momento y ayuda a definir el conjunto. ¿Adónde queremos llegar con esto? La respuesta es sencilla: a que hay que ver esta serie. Por supuesto, habrá a quien guste más y a quien guste menos, pero todo el mundo se puede enriquecer con las propuestas filosóficas que presenta y con el drama al que tendrá que sobrevivir el protagonista. La serie cuenta con la sublime dirección de Masaaki Yuasa y se estrenó en 2008 reuniendo un total de 12 episodios.

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Metropolis

Son muchos los homenajes que se han dedicado al gran dios del manga, pero pocos tan personales y brillantes como éste. Metropolis es una película realizada en 2001 basada en la obra homónima de Osamu Tezuka, que contó un espectacular equipo de producción capitaneado por el director Rintarō y el mangaka Katsuhiro Otomo, quien se encargó del guion del film. El estudio Madhouse contó el apoyo de Tezuka Productions para crear un auténtico referente de la animación de la década pasada y un sorprendente proyecto que desafió en su época a todos los animes que se habían realizado hasta el momento.

En la enorme ciudad de Metropolis, el mundo está dominado por una estricta jerarquía social donde humanos y robots conviven juntos, aunque no sin problemas. Los continuos prejuicios de unos y otros no hacen más que aumentar el malestar y la violencia en las calles. El detective Shunsaku Ban y su sobrino Kenichi llegan a la urbe en busca del doctor Laughton, sospechoso de violar los derechos humanos a través del tráfico de órganos, pero lo que encuentran a su llegada en el laboratorio es a Tima, una chica que no recuerda nada de su pasado. Mientras Kenichi y Tima escapan del lugar, su tío se adentra en los turbios secretos de la ciudad hasta conocer a Duke Red, el hombre que gobierna la zona desde las sombras. Red envía a su hijo Rock en busca de Tima, iniciando así una gran persecución que

Poco tiene que ver la historia del film con la original creada por Tezuka en su momento, si bien hay que reconocer que se realizó un trabajo estupendo recogiendo a varios de los miembros más destacados del Sistema Estelar del autor para representar a los distintos personajes que la protagonizan, en claro homenaje a la costumbre del dibujante por tratarlos como actores que interpretan un papel. Al contrario que el manga, la película recoge algunos elementos de la obra homónima de Fritz Lang, que fue la que inspiró a Tezuka para crear su versión: el énfasis en la distopía, la cruel sociedad plutocrática y la relación entre robots y humanos son sólo algunos de estos elementos que hacen único al film. Desde luego, podríamos dedicar un blog entero a las maravillas de esta producción, pero con tal de mantener breve la reseña, no queremos terminar este pequeño repaso sin hacer alusión al BRILLANTÍSIMO apartado técnico del que hace gala Metropolis, que desde la estupenda animación de Madhouse hasta la deliciosa banda sonora de Toshiyuki Honda no hace más que deslumbrarnos con cada visionado. Sin duda, un verdadero icono de la animación japonesa que debería recordarse por los siglos de los siglos.

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The Cockpit

La Segunda Guerra Mundial es la base de muchas historias en el mundo del cine, la literatura y, por supuesto, el cómic. El célebre autor Leiji Matsumoto, más conocido por epopeyas espaciales como Captain Harlock o Galaxy Express 999, decidió explorar el lado humano de los soldados japoneses en vez de mostrar el típico momento de acción heroica, y así surgió una serie de historias que más tarde serían adaptadas en una trilogía de OVA bajo el nombre The Cockpit. A través de tres breves relatos, conoceremos los desafíos morales a los que tuvieron que enfrentarse las tropas niponas a lo largo de este momento histórico que tanto daño causó.

Un piloto alemán recibe la misión de escoltar a la mujer que ama y a su padre junto a un temible cargamento: una bomba atómica. La noche antes, la chica le pide que deje a los enemigos destruir el avión, ya que a pesar de su muerte evitarán una catástrofe mayor. En la siguiente historia, un piloto del escuadrón kamikaze consigue atravesar el grueso enemigo con su bombardero y se estrella contra la nave principal, pero sobrevive al impacto. Con el éxito de la misión, el alto mando le asigna a otro ataque de similares características, con lo que deberá sacrificar su vida por segunda vez. El último de los relatos presenta a dos soldados que intentan llegar a una base aérea para cumplir con una promesa, aunque eso pueda hacerles plantearse el sentido de la guerra.

Los episodios están dirigidos por tres grandes nombres de la animación japonesa: Yoshiaki Kawajiri, Takashi Imanishi y Ryousuke Takahashi. El proyecto fue producido por el estudio Madhouse y está basado en el manga Battlefield, que detalla varias historias ambientadas en el gran conflicto mundial que sobrecogió al mundo a mediados del siglo pasado. Amante de la aviación y habiendo pasado sus primeros años de vida inmerso en esta gran guerra, Matsumoto nos plantea varias preguntas sobre la moralidad de los actos que tuvieron lugar en ella. Ninguna de las historias está basada en hechos reales, pero en todas se muestra la perspectiva humana de los soldados en una guerra que a pesar de estar llena de heroicidades bélicas sólo llevó la tragedia a sus vidas.

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Twilight of the Cockroaches

Aunque nunca ha sido una práctica muy recurrente, la industria del anime ha creado también alguna que otra producción donde se mezcla animación e imagen real a partes iguales, al estilo de la famosa ¿Quién engañó a Roger Rabbit? de Disney. Para los amantes de lo bizarro, Twilight of the Cockroaches (“El ocaso de las cucarachas”) debe de ser la película perfecta: es absurda y extraña, pero su historia es capaz de hacernos ver a estos repulsivos bichos como adorables criaturitas a merced de un terrible destino impuesto por la maldad de los humanos.

Seito es un joven soltero que vive en un pequeño apartamento junto a otros miles de inquilinos. ¿Que cómo pueden vivir tantas personas juntas si se trata de un pequeño apartamento? La respuesta es que los compañeros de piso de Seito no son personas, sino cucarachas. Ocupando todo el piso se encuentra una extensa comunidad de cucarachas que vive de forma tranquila y despreocupada, aprovechándose de los lujos de una casa desordenada. Sin embargo, todo cambia el día en que se traslada la novia de Seito que, poco amante de los insectos, decide que hay que exterminarlos a todos. A partir de ese momento, la feliz vida de las cucarachas llega a su fin y deberán adaptarse a su nuevo entorno si es que quieren sobrevivir.

Estrenada en 1987, Gokiburitachi no Tasogare fue dirigida por Hiroaki Yoshida y producida por Madhouse. El director comenta que el film trata sobre Japón, y que el concepto de una especie odiada por todos no se aleja mucho de la enemistad racial y cultural con la que se percibía a Japón en los ochenta. La historia en general no es más que una gran alegoría al papel del país nipón en el contexto internacional y a cómo deben cumplir con su papel si no quieren que los demás se vuelvan contra ellos. Curiosamente, aunque la película fue un fiasco absoluto y pasó muy desapercibida entre los aficionados a la animación, fue de las primeras en llegar a Estados Unidos y no era raro encontrarla junto a otros títulos de más calidad como Vampire Hunter D o Robot Carnival, por lo que se ha ganado cierto estado de culto entre los fans americanos.

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Casshern Sins

Con el auge de las series de robots en los ’70, Tatsunoko Production llegó a convertirse en uno de los estudios de animación más importantes de la época, y no en vano seguimos recordando grandes series suyas como Kagaku Ninjatai Gatchaman (Comando G) o Yatterman. 35 años más tarde, Casshern Sins llega a las pantallas para revivir a uno de los héroes más emblemáticos de la compañía y hacernos recordar por qué los personajes de ésta tuvieron tanto éxito en su momento.

Planteado como un retelling del Casshern original, nos cuenta la historia de un mundo donde los robots subyugaron a la humanidad después de ser conscientes de su condición. Su líder, Braiking Boss, gobernó el planeta con mano de hierro. Un día, una misteriosa chica llamada Luna aparece ante el pueblo con la promesa de traer la salvación a la humanidad. Viéndola como una amenaza en potencia, Braiking Boss envía a sus tres guerreros más poderosos para eliminarla: Casshern, Dio y Leda. Casshern, el más fuerte de los tres, logra localizar y asesinar a Luna. Sin embargo, su muerte desata un fenómeno cataclísmico que inicia el fin del mundo. Mucho tiempo más tarde, la atmósfera del planeta está tan llena de veneno que apenas quedan humanos vivos, menos aún desde que los robots siguen intentando eliminarlos a todos. Aunque estos tampoco se libran de la desgracia. Debido al entorno ponzoñoso en el que tienen que vivir, sus cuerpos empiezan a oxidarse y cual cáncer empieza a llevarse también la vida de muchos de ellos. Es en este contexto cuando Casshern, que había desaparecido tras el asesinato de Luna, aparece de nuevo sin recuerdos de quién es ni qué es lo que ha hecho. Mientras intenta sobrevivir en este mundo tan maltrecho, el joven robot se embarcará en un viaje para descubrir su identidad, su destino y el por qué de su pecado.

Dirigida por Shigeyasu Yamauchi, la serie es un proyecto conjunto entre la propia Tatsunoko y el estudio Madhouse, que se encargó de la animación. Cabe mencionar que la historia hace caso omiso del anime original, en el que Casshern era un héroe cibernético que luchaba contra las fuerzas robóticas de Braiking Boss. Sin embargo, el giro de tuerca que se presenta en esta ocasión lo convierte en una aventura mucho más dramática, que hace hincapié en el valor de la vida y el peligro de la destrucción, una idea que se presenta en muchos niveles y formas. Aunque el desarrollo se vuelve a veces algo tedioso, la estupenda estética de la que hace gala y el notable apartado técnico del que dispone lo convierten en un signo sucesor de la serie original.

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Rintarō

Nacido en enero de 1941, Rintarō es el pseudónimo tras el que se esconde Shigeyuki Hayashi, un famosísimo director que ha participado en algunas de las producciones animadas más importantes de la historia. Suele trabajar con el estudio Madhouse, que él mismo co-fundó, aunque no está contratado por ningún estudio en concreto. Empezó trabajando en la industria de la animación con sólo 17 años, coloreando acetatos para la película Hakujaden de Toei Animation. Desde entonces, fue subiendo puestos hasta llegar a director, y su talento le ha convertido en uno de los más respetados de su campo por los propios japoneses.

Rintarō es un gran fan de la ciencia ficción y está muy influenciado por las películas americanas del oeste, las de gánsteres y el cine negro. Así mismo, admira mucho al gran Osamu Tezuka, con quien colaboró en las adaptaciones animadas de Kimba, el león blanco y Astro Boy. Cuando estuvo realizando la película Metropolis, basada en la obra homónima del autor, afirmó que con ella intentaba difundir el espíritu de Tezuka. Este film tuvo una gran repercusión a nivel internacional e incluso estuvo nominada a Mejor Película en los premios del Festival de Cine de Sitges en el año 2001.

Como hemos mencionado, su primer trabajo fue en la película Hakujaden, la primera película de animación a todo color realizada en Japón. Más tarde trabajó en otras dos películas, hasta que decidió entrar en Mushi Productions, el estudio dirigido por Tezuka. Su primera labor como director fue en el cuarto episodio de Astro Boy, un trabajo del que terminó muy orgulloso. Quizás por ello terminó colaborando también en Jetter Mars, variación del popular robot de pelo picudo. Rintarō también es un gran seguidor de Leiji Matsumoto, y así lo ha demostrando encargándose de varios de sus títulos, como las películas Captain Harlock: Mystery of the Arcadia, Galaxy Express 999 y Adieu Galaxy Express 999. Entre sus otros animes destacados se encuentran Doomed Megalopolis, Dragon Quest: Abel Yuusha no Densetsu, Final Fantasy: Legend of the Crystals y X – The Movie.

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Piano no Mori

No todos los seinen tienen por qué ser violentos ni ejemplos ilustres de thrillers y conspiraciones. A veces, algunos son adultos simplemente por aportar un punto de vista más sabio a situaciones cotidianas de la vida normal. Así es Piano no Mori, un manga con trasfondo musical que nos habla de las tribulaciones de la juventud y de la realización de uno mismo como persona.

Shuhei Amamiya es un chaval que se traslada a la escuela Moriwaki, lleno de esperanzas y ambiciones en esta nueva vida que va a emprender ahora que se ha mudado de ciudad. Sin embargo, los abusones de clase no tardan en meterse con él, y al enterarse de que es estudiante de piano, le retan a tocar el misterioso piano que hay en el bosque. Muerto de miedo, allí encuentra a Kai Ichinose, otro niño de su clase que parece ser el único capaz de hacer que suene el instrumento en cuestión, que todo el mundo cree que está roto. Su habilidad como músico, totalmente autodidacta, le hace ganarse el respeto de Shuhei y de su maestro de música, la antigua estrella del piano Sosuke Ajino. Aunque al principio no tiene ningún interés en refinar su estilo, Shuhei y el profesor Ajino le convencen para que siga mejorando. A partir de entonces se formará cierta rivalidad amistosa entre los dos niños por ver qué es mejor, si el talento natural de Kai o la técnica depurada de Shuhei, a la vez que descubren el verdadero valor de tocar un instrumento.

Piano no Mori: The Perfect World of Kai es una obra de Makoto Isshiki que empezó a publicarse en la Young Magazine Uppers de Kodansha en 1998, pero que más tarde se trasladó a las páginas de la Morning. Aunque su serialización es irregular y tuvo un parón en 2002, en 2006 siguió su curso y hasta el momento lleva ya 19 tomos recopilatorios. Aunque las historias musicales tienden a ser muy específicas, este manga se caracteriza por centrar más su atención en los propios personajes, ayudando así a mantener el interés constante del lector por las vidas de ambos protagonistas, que seguiremos viendo hasta bien entrada su adolescencia. La obra ganó el gran premio a Mejor manga en el 12º Festival de las Artes de Japón en 2008, y cuenta con una adaptación animada en forma de película producida por Madhouse y que ha sido candidata a varios premios importantes.

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