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Posts Tagged ‘Joe Hisaishi’

Hace mucho tiempo, Aqualoid era un planeta próspero y rebosante de vida; sin embargo, la llegada de los misteriosos Inorganics, unos seres metálicos venidos de otro universo, lo convirtió en un páramo donde apenas resisten unos pocos núcleos habitados. Así se han mantenido las cosas hasta que un día, el joven Nam descubre una extraña espada con el poder de hacer frente a los susodichos invasores… y la cosa se desmadra. Tras reunirse con su hermana Rasa y sus amigos Kim y Bao, descubre que la espada es la legendaria SHADE, un arma cósmica con la fuerza necesaria para salvar el mundo de la terrible amenaza que los somete, pero no pasa mucho hasta que los Inorganics despliegan una abrumadora ofensiva con la intención de destruirlos a ellos y a su recién adquirida esperanza. ¿Conseguirán hacerles frente o destruirán Aqualoid en favor de un nuevo mundo?

Birth (editada en España con el nombre El mundo del talismán) surgió como un proyecto muy especial que poco tenía que ver con los convencionalismos a los que la animación japonesa se había aferrado hasta entonces. Dirigida por el poco prolífico Shinya Sadamitsu y con los diseños de personajes de Yoshinori Kanada, fue una de las primeras OVAs que llegaron al mercado doméstico. Curiosamente, fue uno de los primeros trabajos profesionales de un inexperto Hideaki Anno, así como uno de los más desconocidos del compositor Joe Hisaishi (curiosamente, ambos habían coincidido anteriormente en la producción de la película Nausicaä del Valle del Viento).

Si bien no se puede decir que el film fuera un éxito, lo cierto es que logró influenciar a toda una generación de futuros animadores que quedaron impresionados por el resultado final: entre ellos, algunos bastante famosos como Hiroyuki Imaishi (Kill la Kill) o Seiya Numata (Fullmetal Alchemist). Y es que en realidad, este título es todo un espectáculo animado. La historia (de sentido bastante cuestionable) es más bien una excusa para poder realizar esa tremenda explosión de escenas frenéticas y dinámicas, con cambios de perspectiva muy fluidos y unos movimientos la mar de naturales. Desde luego, y siendo sinceros, Birth está lejos de ser un producto refinado y tiene bastantes errores, pero no por ello deja de asombrar por lo adelantado a su época, así que resulta una película de lo más interesante si os gusta la animación y estáis dispuestos a no hacer caso de su argumento.

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Si os pasáis por las tiendas, descubriréis que hoy se produce el lanzamiento de uno de los videojuegos más esperados del año para PlayStation 3. Ni no Kuni: La ira de la bruja blanca aterriza en España para convertirse en un clásico instantáneo de esta generación, y aunque cambia varias cosas respecto al juego original que apareció en las Nintendo DS japonesas, no ha perdido ni un ápice de todo aquello que lo hacía grande. El título rebosa magia de la que nos hacía soñar con los juegos de antaño, en aquella época dorada donde surgieron algunos de los mejores RPGs de la historia, así que resultará un encuentro agradable para aquellos que busquen ese sabor añejo y también será un estupendo punto de partida para quienes todavía no se han adentrado demasiado en territorio rolero.

La historia gira alrededor de Oliver, un chaval que debido a un desafortunado incidente, pierde a su madre por complicaciones en su problema cardíaco. Con este trágico suceso, el pequeño se encierra en su habitación para llorar por la pérdida, y es entonces cuando sus lágrimas mojan el peluche que ésta le había regalado tiempo atrás. El peluche se transforma de pronto en un extraño duende llamado Drippy, quien le informa de que proviene de otro mundo y que necesita su ayuda para derrotar al malvado mago oscuro que tantos estragos está causando en el lugar. El mundo en cuestión es un reflejo de la dimensión en que vive Oliver, donde personas y animales tienen una contrapartida similar, incluida su madre. Con la esperanza de devolverla a la vida si logra salvar este mundo mágico, el joven héroe se embarca en una gran aventura que afectará a ambos universos y que le llevará a conocer a todo tipo de personajes inesperados.

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La afición por las historias de robots y ciencia-ficción creció de forma inusitada con el boom de historias futuristas que llegó alrededor de los años ochenta: Gundam, Harlock, Yamato… No son pocos los animes que decidieron subirse al carro, así que en su momento tuvo que ser complicado destacar entre un sinfín de producciones del mismo género. Sin embargo, Genesis Climber MOSPEADA (Kikou Soseiki MOSPEADA) logró hacerlo y se convirtió además en un referente para futuros proyectos animados, convirtiéndose así en una de las series más populares de la época y también en un clásico que todo amante de los mechas debería ver.

En el año 2050, una misteriosa raza de alienígenas conocida como los inbit decide invadir la Tierra. Los terrícolas, incapaces de combatir al enemigo, se ven forzados a refugiarse en la Luna y otras colonias del sistema. Sin embargo, los humanos establecidos en Marte no se olvidan de su tierra natal: después de numerosos intentos fallidos, el ejército marciano decide enviar un gran escuadrón de ataque en el que se encuentra el teniente Stick Bernard, sólo para ver cómo truncan una vez más su intento por recuperar el planeta. La flota es aniquilada y la prometida de Stick muere en el proceso, lo que deja al protagonista superviviente con una terrible sed de venganza. El teniente reunirá a un grupo de héroes para formar una guerrilla con la que detener a los inbit, quienes no sólo amenazan la existencia de los terrícolas, sino también la suya propia de forma inconsciente.

El anime, que fue emitido en 1983, es una producción de Tatsunoko Productions y el difunto estudio Artmic. El proyecto fue notable en varios sentidos, ya que supo sobresalir entre otras series del mismo género y más tarde terminaría formando parte del compendio Robotech editado por Estados Unidos. En el plano técnico, nos encontramos con diseños del veterano Shinji Aramaki, experto en series de ciencia-ficción y en robots, que hizo en MOSPEADA uno de sus trabajos más recordados hasta la fecha. Por su parte, el diseño de los personajes es obra de Yoshitaka Amano, reconocido ilustrador que años más tarde colaboraría en la franquicia Final Fantasy. Y más curioso todavía: la composición musical corrió a cargo de Joe Hisaishi, justo antes de trabajar en Nausicaä del Valle del Viento y de iniciar su duradera relación con Studio Ghibli. Después de la serie original de 25 episodios, se lanzó una OVA musical titulada Genesis Climber MOSPEADA: Love Live Alive que incluye nuevas secuencias mostrando lo sucedido después de los hechos del anime.

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Cada vez es mayor la influencia que tiene la música de animes y videojuegos en la cultura japonesa, y su impacto se empieza a notar en círculos tradicionalmente más cerrados como el de las orquestas sinfónicas. Directores, compositores y músicos respetan este tipo de melodías que, de un modo u otro, ya se han convertido en parte de la historia musical del país, y que quizás en el futuro sean consideradas clásicos de la música contemporánea como ahora vemos las obras de Mozart o Chopin. Una de las orquestas que ha jugado un papel importante en la aceptación de este género es la New Japan Philharmonic, que ya se podría considerar un estandarte en la defensa de las bandas sonoras.

Apostada en Tokio, se trata de una orquesta sinfónica que se ha hecho famosa por sus numerosas interpretaciones basadas en melodías de videojuegos y series de animación. Fue fundada en 1972 por el prestigioso director Seiji Ozawa, que desde entonces está considerado como director honorífico del grupo. Desde 2003, el director es Christian Arming. La orquesta celebra giras y series de conciertos por todo el país, pero su “base” es Triphony Hall de Sumida, que acoge a miles de visitantes al año. Su primer contacto fuera de la música clásica fue con la película de animación Arion, interpretando unos arreglos sinfónicos para un disco orquestado. Más tarde fueron seleccionados por el propio Joe Hisaishi para grabar una selección de sus temas más memorables hasta la fecha.

Cinco años más tarde, en 1997, empezaron a lloverles los grandes proyectos, y así es como participaron en la grabación de los discos Symphonic Evangelion y Bio Hazard Orchestra Album. Parecía que la orquesta se había vuelto la más popular para este tipo de interpretaciones, pero lo mejor todavía estaba por llegar. Después de otros discos similares de las series Onimusha y Resident Evil, el director Joe Hisaishi volvió a contar con sus servicios para dos de sus bandas sonoras más famosas, las de las películas Brother, de Kitano, y El viaje de Chihiro, de Ghibli. A partir de entonces, el camino hacia la fama fue recto y a toda velocidad. Kingdom Hearts, Super Smash Bros. Melee, Final Fantasy y Tales of Legendia son sólo algunos de los juegos que han representado a través de conciertos o discos especiales, y en todos ellos han realizado una labor impecable. ¡Ojalá más orquestas se animaran a aceptar así las bandas sonoras de tan fantásticos juegos!

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Es hora de que dediquemos espacio a uno de los compositores de videojuegos más importantes y que es indiscutiblemente el más representativo de la era 16-bits. Yuzo Koshiro es todo un icono de la música para ocio electrónico y se recuerda además por haber sido uno de los artistas más innovadores en el género chiptune y en la composición para videojuegos. Su carrera le ha llevado a participar en todo tipo de clásicos y es por ello que se ha vuelto tan respetado dentro de este mundillo. Además, sus últimas participaciones en conciertos sinfónicos no han hecho más que revivir su leyenda a través de estupendas interpretaciones orquestales, manteniendo vivo ese derroche de talento por el que es tan famoso.

Koshiro nació en Tokio en diciembre de 1967. Su madre era pianista, y le enseñó a tocar el piano cuando apenas tenía tres años. A los cinco, ya dominaba bastante bien el instrumento, y a los ocho empezó a tomar clases de manos de Joe Hisaishi durante tres años. Todo lo que aprendió más tarde fue de forma autodidacta. Mientras aún estaba en el instituto, comenzó a componer por afición con un NEC PC-8801, recibiendo influencias de juegos de la época como The Tower of Druaga, Space Harrier o Gradius. Con 18 años, empezó su carrera profesional en la compañía Nihon Falcom, que de hecho usó algunas melodías de su maqueta de presentación en el juego Dragon Slayer II: Xanadu. Entre los títulos para los que compuso están grandes clásicos como Dragon Slayer IV: Legacy of the Wizard, Sorcerian y los Ys del I al III, cuyas bandas sonoras se siguen considerando aún hoy día como algunas de las mejores de la historia.

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Como no tenemos mucho tiempo, esta vez os dejamos con un disco que nos ha encantado. GHIBLI meets JAZZ reúne dos elementos muy buenos ya de por sí y crea con ellos una mezcla superior, que encantará a los amantes de cualquiera de las dos partes. De grabación reciente, las melodías están interpretadas por el músico Kazumi Tateshi (al piano) y dos compañeros de fatigas: la batería Mao Suzuki y el bajo Shinobu Sato. Los temas recogen toda la filmografía del estudio, y tan pronto nos encontramos el Requiem de Nausicaä como Itsumo Nando Demo, de El viaje de Chihiro. Demostrando lo nuevo que es, incluye además una versión del tema principal de Arriety, compuesto por Cécile Corbel.

Sin embargo, no es la primera vez que Ghibli y el jazz se unen para sorprender al personal. Los fans se han tomado muy en serio las increíbles melodías de Joe Hisaishi y otros músicos que han prestado su talento para estas películas, y se han dedicado a crear sus propias versiones que poco o nada tienen que envidiar a las originales. Por ejemplo, la antología ALL THAT JAZZ, que ofrece canciones de anime con este estilo, dedica dos discos a la música de Ghibli. El grupo femenino Tokyo Brass Style tiene también otros dos discos igual de potentes, y aunque no termina de ser lo mismo, Ghibli Swing ~ Swing All-Stars resulta también un divertidísimo compendio de versiones marchosas. Os animamos a que escuchéis algunos de estos temas a través de YouTube y disfrutéis de ellos mientras estáis en el ordenador.

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Hacía tiempo que no teníamos una entrada de este tipo, así que nada mejor para recuperarlas que escribiendo sobre uno de nuestros estudios de animación favoritos. A continuación encontraréis cinco datos muy curiosos, pero poco conocidos, sobre el bien querido Studio Ghibli:

1. La princesa DEL mononoke

Una de las películas más famosas y mejor valoradas del estudio es el clásico La princesa mononoke, del que pronto se cumplirán 15 años desde su estreno. Sin embargo, este estupendo film podría haber sido muy diferente de cómo llegó a ser, ya que las ideas iniciales que tenía Miyazaki distaban mucho del resultado final que vimos. La historia se centraba en un general que termina prisionero de un mononoke (un monstruo con forma de bestia: en este caso, un gato). El general promete darle la mano de una de sus hijas si le deja marchar, con lo que el monstruo acepta a regañadientes. Esa misma noche, el enemigo ataca la casa del soldado, y un demonio le ofrece su ayuda si le deja meterse en su cuerpo para darle el poder. El general acepta y es poseído por el demonio, que no tarda en derrotar a los soldados atacantes, pero se convierte en un hombre sanguinario y cruel. El mononoke se lleva a la hija pequeña del general, como habían acordado, aunque la princesa se muestra reticente a ser la esposa del monstruo. Así pues, le ofrece un nuevo acuerdo: se casará con él si logra liberar a su padre de la influencia del demonio. Después de una encarnizada lucha contra él y sus soldados, consigue expulsar al demonio y la princesa se convierte en felizmente en su mujer. Podéis encontrar una traducción al inglés de toda la historia en el siguiente enlace.

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